Inmaculada Salinas (Guadalcanal, Sevilla, 1967) presenta trabajos de los tres últimos años agrupados en cuatro series, cuyo denominador común es el carácter procesual y repetitivo del conjunto de obras en papel a partir de un sujeto o tema determinado. La mujer como sujeto social es el eje que articula las series Prensadas, Visión de las vencidas y Espejo. En Como fondo reflexiona sobre la autonomía de la pintura y su utilización como elemento ornamental representativo del poder.

Espejo (2008). En 40 cartulinas de papel blanco, la artista escribe la palabra mujer repetida sin cesar. Inmaculada Salinas realiza un ejercicio formal iterativo, la mitad con la mano izquierda, lo que produce visualmente tensión y cambios de ritmo en el conjunto impreso de la hoja.

Visión de las vencidas (2008-2009). El libro del antropólogo Miguel León Portilla, “Visión de los vencidos”, basado en escritos de indígenas mexicanos, ha sido la referencia para realizar esta obra. De él se extraen 50 frases en las que aparecen palabras como mujer o atributos en relación con la posición de ésta en la sociedad.

Prensadas (2009). Esta serie está constituida por varios centenares de fichas en las que, a través de recortes de prensa, propone un estudio estadístico sobre la presencia/ausencia de la mujer en los medios de comunicación.

Como fondo (2010-2011). A partir de recortes de prensa en los que destacadas obras de arte sirven de fondo a diferentes personajes públicos, la artista borra la identidad de dichos personajes invirtiendo el protagonismo a favor de la obra pictórica de fondo. Sus propias pinturas monocromas, en serie cromática gradual, prevalecen por encima de estos hechos, poniendo en evidencia la autonomía de la pintura.

Más información:
· http://www.caac.es/programa/inmsal11/frame.htm

Fecha: A partir del 31 de marzo de 2011
Inauguración: Jueves 31 de marzo, a las 20:00 h.
Espacio: Patios de Prioral, Padre Nuestro y Arco de San Miguel
[Sesión expositiva: La constitución política del presente]

Jessica Diamond (Nueva York, 1957) es conocida por sus irónicos e incisivos textos pintados directamente sobre la pared. La sensibilidad de esta artista norteamericana fue forjada en los años 80, en un momento en el que la pintura estaba siendo cuestionada. Desde entonces mantiene un sorprendente y sincero sentido de la identidad, utilizando el lenguaje como base de su trabajo, que se caracteriza por su actitud crítica y satírica hacia la simbología de la cultura popular. Para expresarse, emplea de forma habitual la pintura mural, situándose por ello fuera del mercado del arte.

Los dibujos y los fragmentos de texto que Jessica Diamond traza sobre los muros abordan la tristeza, la autoconciencia y lo “jocoso” en clave de tragicomedia. La artista deja una nota en la pared, una nota furiosa en la que reivindica el abandono y la autoprotección mediante un código personal, pero sin caer en lo nostálgico o lo sentimental. Su nota, un mensaje escrito deprisa, arraigado en las tácticas de la América empresarial, es siempre enérgica, directa, una forma de reconstruir la individualidad frente a la despersonalización del mundo en que vivimos. Interpretar su obra fijándonos sólo en el poder coactivo de los eslóganes publicitarios, los medios de comunicación y la cultura de masas sería hacer una lectura engañosamente superficial y olvidar el lado complejo, sutil y contemplativo.

Diamond habla en algunas de sus obras sobre las vicisitudes de ser una artista contemporánea, ya que para sobrevivir tiene que hacer, exponer y vender su trabajo. También ha expresado de forma concisa su punto de vista sobre el mercado del arte de Nueva York, que lo ve avaricioso, propenso a la inflación y explotador.

Cuatro son los murales que se pueden ver en esta exposición: I Hate Business (1989), Is That All There Is? (1984 / 2010), Being Necessitates Faith In Paper (#2) (1989 / 2011) y Money Having Sex (1988).

Más información:
· http://www.caac.es/programa/jesdia11/frame.htm

Como figura destacada del pop-art alemán, vinculado al Realismo Capitalista, KP Brehmer (Berlín 1938 – Hamburgo 1997) ha trabajado durante décadas en la inversión de la economía capitalista de la producción de conocimiento mediante la descodificación de sus formas de nominación visual. Su trabajo permite al espectador reflexionar sobre las formas en que nuestra sociedad construye y visualiza los datos, y de cómo estos datos se utilizan como una herramienta de abstracción política; lo político tiene lugar sin publicitarse como “político”.

Sus proyectos realizan una expropiación de conceptos occidentales de tipografía, cartografía, termografía y teoría del color que sacan a la luz las maneras en las que la apariencia visual está implicada en la economía. Si nos acercamos a los soportes, películas, publicaciones, composiciones e instalaciones de Brehmer como “sistemas de notación” de los procesos sociales, nos daremos cuenta de que existe cierta similitud con una partitura musical: sólo al ser interpretadas salen a la luz las cuestiones planteadas por estas obras en las condiciones reales que se dan al hacerlas públicas.

Exponer aquí es como un medio, pero también como una preocupación por sacar a la luz todos esos procesos sociales -para KP Brehmer y para nosotros hoy quizás más importante que nunca. En esta línea, su proyecto implica un futuro que empieza a transformarse en el acto mismo de la exposición. Un pensamiento de 1974 podría metamorfosearse en “un test que va más allá de la acción” hoy y mañana. La reflexión sobre el medio mismo de la exposición, que nos incluye a nosotros, puede utilizar el exceso a la hora de exponer, con el fin de articular una posibilidad de defender de otra manera la sociedad.

A test extending beyond the action es la primera perspectiva comprehensiva de proyectos del artista alemán KP Brehmer en España y su primera exposición importante desde la que tuvo lugar en el Museo Fridericianum de Kassel en 1998. La muestra en el CAAC presenta sus proyectos más significativos, como Trivialgrafik (1965/68), Ideale Landschaft (1968), Farbtest Nationalfarben (1969-1972), Farbengeographien (1969-1973), Catalog raisonée Grafik des Kapitalistischen Realismus de René Block en 1971, Seele und Gefühl eines Arbeiters (1978/80), incluyendo partituras musicales, Wärmebilder (1974-1986), aportaciones de Grafik des Kapitalistischen Realismus (1971) y una serie de films realizados entre 1969 y 1974.

El día de la inauguración se celebrará una mesa redonda sobre la exposición en la que participarán Doreen Mende, Sebastian Brehmer y José Lebrero. A su vez, Guillermo Jorge Manjón interpretará un sólo de flauta de una partitura de KP Brehmer.

Más información:
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